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viernes, 1 de junio de 2012

"DON FRANCISCO DE LOS TOROS"


Don Francisco, el de los toros


Francisco de Goya nació en Fuendetodos (Zaragoza), en una época en la que el toreo a pie ofrecía sus primeros esbozos y al tiempo que veían también la luz Costillares, Pepe-Hillo y Pedro Romero, quienes compondrían años después el primer gran trío de figuras coetáneas del toreo y entablarían en los ruedos la primera gran rivalidad taurina de la historia. Algo de lo que Goya, muy aficionado a los toros, fue testigo directo.
Es más, Goya nació y creció en una tierra en la que, por entonces, se practicaba un toreo de suertes muy populares y se cuenta que “don Francisco el de los toros”, tal y como él mismo solía llamarse, toreó en sus años mozos. No se sabe a ciencia cierta si fue así o no; y, en caso afirmativo, qué tipo de toreo pudo practicar.
Lo que sí es cierto es que Goya, en su época de pintor de cartones para la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara, fue autor de un cuadro que lleva por título “La novillada”, del que algunos estudiosos mantienen que el joven vestido de rosa que aparece en la parte central de la escena es el propio pintor aragonés, que se habría autorretratado capeando a un toro.


La novillada (1780). Museo del Prado - Madrid. Dentro de una serie dedicada a las diversiones populares durante el reinado de Carlos III, Goya representa por primera vez en su vida artística una obra de temática taurina: una jornada popular de toros.
Su formación como pintor, sus aspiraciones y los cargos que fue logrando en la Corte limitaron la libertad de Goya a la hora de elegir la temática de sus cuadros y, quizás por ello, no trató la temática taurina durante las primeras épocas de su carrera artística más que en este cuadro.


jueves, 3 de mayo de 2012

Los fusilamientos de la Moncloa (El Tres de mayo) de Goya

                                                                                                                                                                             

Se trata de un gran óleo sobre lienzo pintado en 1814, según apuntes tomados durante los años de la Guerra de la Independencia de España (1808-1814). Pertenece a la etapa de Goya de plena madurez, cuando ya aquejado de la sordera que le quedó como secuela de una grave enfermedad que casi le costó la vida, su visión de la pintura y de la vida había superado la etapa anterior, colorista, optimista y alegre. La guerra supuso para la extraordinaria sensibilidad del artista un auténtico revulsivo, ya que como hombre profundamente ilustrado, abomina de la guerra como elemento principal de la sinrazón humana, conflicto que, además enfrenta a la Francia que encarna algunos de los valores que más admira, con el pueblo español al que él pertenece. La guerra le va a inspirar la famosa serie de grabados denominados “Los Desastres de la guerra” y dos cuadros de gran formato, el que estamos comentando y “La carga de los mamelucos” (conocido también como “El dos de mayo”), comentado ayer.
Esta obra reproduce una escena real ocurrida en Madrid, los fusilamientos del día tres de mayo de 1808 en la Moncloa por las tropas invasoras francesas de Napoleón Bonaparte, contra los españoles que el día anterior protagonizaron una revuelta popular, para tratar de impedir el traslado a Bayona (Francia) del hijo pequeño del rey Carlos IV, el infante Francisco de Paula, revuelta que inició el conflicto de la Guerra de la Independencia. Se trata de una pintura que expresa de forma conmovedora y con gran patetismo la violencia sin sentido que la guerra encarna.




Este magnífico cuadro lo ha realizado el auxiliar administrativo del cole, nuestro admirado Vicente, y lo podéis admirar en la SALA GOYA de nuestro centro

Es una obra de carácter casi fotográfico que nos muestra a un grupo de hombres de condición humilde, espontáneos, desorganizados que, horrorizados se enfrentan al pelotón de fusilamiento que, bien vestidos con sus uniformes, armados y perfectamente alineados, se muestran de espaldas, sin enseñar sus rostros, para mostrar la deshumanización del ejército, en el que lo importante es que actúe como una “máquina de matar”. No aparecen héroes, ni generales victoriosos, ni ningún elemento que muestre o glorifique el honor de la guerra (como sí hacían los artistas neoclásicos), los protagonistas inmortalizados son el pueblo roto que va a morir en soledad con cada uno de los individuos que lo componen enfrentándose a la muerte adoptando diferentes actitudes, con los dedos crispados, llevándose las manos a la cabeza, gritando y , sobre todo mirando con ojos desorbitados ante el horror del que son protagonistas.
Cuadro realizado por todas las clases del tercer ciclo


La expresividad de los rostros alcanza una gran magnitud y fuerza, expresando la irracionalidad de la guerra (no sólo de la concreta, sino de cualquiera), comunicando con una fuerza precursora del expresionismo del siglo XX el sentimiento de los protagonistas. Goya logra representar como nadie hasta entonces un monumento eterno al heroísmo anónimo de un puñado de hombres frente a la violencia ciega de la guerra.




miércoles, 2 de mayo de 2012

"LA CARGA DE LOS MAMELUCOS" O "DOS DE MAYO" DE GOYA

                                                             


Es un óleo sobre lienzo que Francisco de Goya pintó en el año 1814, junto a “Los fusilamientos de la Moncloa”, una vez concluida la Guerra de la Independencia española, según apuntes tomados durante esos mismos años o relatos de los que lo presenciaron (parece probado que Goya no asistió al levantamiento popular). La guerra supuso una gran conmoción para un ilustrado como el pintor, que la abomina, y dejó huella en su obra tanto gracias a estos dos cuadros de gran formato (268 cm.por 347 cm. mide éste), como a través de la serie de grabados de los “Desastres de la guerra”.
Recoge uno de los episodios ocurridos en la ciudad de Madrid el día 2 de mayo del año 1808, cuando grupos de masas populares intentan impedir el traslado a Francia del hijo menor del rey de España Carlos IV, y que marca el inicio del levantamiento general del pueblo español contra los franceses, que trasluce el rechazo tanto hacia la política napoleónica, como hacia la imposición de cualquier tipo de acción por parte de los extranjeros tolerados por una parte de la administración española.
En esta escena se representa un ataque de las masas populares a un grupo de mamelucos, soldados egipcios mercenarios a las órdenes de los franceses. Al escoger esta escena, Goya muestra magistralmente toda la carga de rabia y violencia que llevó a diversos elementos de las clases populares que se encontraban en Madrid, a salir a la calle a pelear armados con cuchillos contra un ejército bien pertrechado y armado, ejército que constituía la élite de la Europa del momento.
El centro compositivo del cuadro lo marca el soldado mameluco muerto que cae del caballo, al que otro individuo apuñala, acto totalmente sin sentido, ya que el caballo no es enemigo de nadie, lo que muestra lo ilógico de la guerra que lleva a la destrucción sistemática. El resto de la composición muestra a otra serie de figuras que acuchillan a jinetes y monturas, mientras que el ejército francés intenta salir de la carnicería. Lo más destacado del conjunto son las expresiones de los rostros, de rabia e indignación de los madrileños, de miedo en los franceses e incluso de sus caballos. La escena se desarrolla dentro de la ciudad, ya que los edificios se representan en un perfil, aunque de modo genérico, sirviendo de marco de referencia, pero no restando protagonismo a la acción.
Esta exacerbación del movimiento parece haberse contagiado a la mano del artista, que utiliza una técnica basada en las pinceladas rápidas, sueltas, a base de manchones, como salidas también de un estallido de violencia del pintor. Con respecto a los colores, destaca la brillantez de los mismos y la utilización del llamativo rojo de la sangre que salpica la escena. Además lo trata con gran libertad, ya que incluso puede verse en la cabeza de un caballo reflejos de verde gracias a los efectos que provoca la sombra. En definitiva, junto a “Los fusilamientos de la Moncloa” se trata de un alegato antibelicista, realizado con más de cien años de adelanto a las corrientes contemporáneas que también van en ese sentido.

viernes, 27 de abril de 2012

PROCLAMA SOBRE GOYA












Fue Goya un genial pintor
al que todos admiramos,
que con su esfuerzo y tesón,
se ganó la admiración
de extranjeros y paisanos,
de entendidos y profanos.

Fue retratista de reyes,
de nobles y plebeyos,
y en sus cuadros nos mostró,
con brillantez y esplendor,
todo suceso importante
que en su época ocurrió.

Las costumbres y los juegos
también vemos reflejados,
en los variados cuadros
que el pintor nos ha legado.


Del ilustre pintor Goya
seguiré siempre su ejemplo,
trabajando con constancia,
con aplomo y con denuedo,
realizando mis trabajos
sin restar horas de esfuerzo.

El cine lo convirtió
en su valor más preciado
otorgándoselo a aquellos
que hacen muy bien su trabajo.

El Goya se ha erigido
en una gran distinción
que sólo conseguirán
los que demuestran gran tesón.

Clotilde Vadillo

jueves, 8 de marzo de 2012

8 DE MARZO. DÍA INTERNACIONAL DE LA MUJER. TRES HEROÍNAS ESPAÑOLAS




En este día internacional de la mujer queremos retratar tres mujeres, verdaderas heroínas de los siglos que estamos estudiando.


AGUSTINA DE ARAGÓN

Se acercaba una columna enemiga de las tropas francesas por la Puerta del Portillo, cuando de pronto, una de aquellas mujeres que ayudaban a los que defendían las improvisadas trincheras, llevándoles municiones, agua y alimentos a pie de las murallas, toma una mecha, pasa por entre muertos y heridos, y dispara un cañón de 24 cargado con bala y metralla, haciendo que los pocos artilleros que quedaban vivos, se levantaran y consiguieran seguir el fuego hasta que logra llegar un refuerzo de otra batería, obligando a las tropas francesas a una precipitada retirada. Esta mujer no es otra que Agustina de Aragón, que fue nombrada por el Rey  Artillera, con un sueldo de 6 reales diarios.
Es este hecho lo inmortalizó Goya en su serie de los Desastres de la Guerra, con el grabado titulado ¡Qué valor!, en el que aparece la joven Agustina junto a la pieza de artillería disparada.


MANUELA MALASAÑA

Manuela Malasaña fue la heroína madrileña, convertida en uno de los mitos de la resistencia del pueblo de Madrid ante las tropas del general Murat, jefe del ejército francés, que ocupaba la capital del Reino y contra el que se sublevó la población de Madrid el 2 de mayo de 1808.

Según la leyenda, Manolita, la joven bordadora, pasaba a su padre y a otros defensores del Parque de Artillería de Monteleón -levantado en armas bajo la jefatura de los capitanes Daoíz y Velarde- los cartuchos de munición, durante aquella mañana del 2 de mayo.

Fue detenida y condenada a la pena de muerte en juicio sumarísimo, por hallarse en posesión de unas tijeras, propias de su profesión. Fue fusilada, por entender los franceses que las tijeras podían ser un arma ofensiva contra su ejército, según el 'Decreto de Guerra' proclamado por Murat ante el levantamiento del pueblo madrileño.

Enterrada junto con otras víctimas de los sucesos del 2 de mayo de 1808 en el cercano cementerio de la Buena Dicha, su juventud y su condición de mujer hicieron de ella una figura muy popular entre el pueblo de Madrid, que admirando su valor y sacrificio por la libertad, dio su nombre a un barrio, el de Malasaña, por ser allí donde fue detenida por el ejército invasor en ese histórico día inolvidable para el pueblo de Madrid.

Su juventud la hizo digna de ser una heroína inmortalizando su nombre como símbolo de la rebeldía y valentía de los jóvenes madrileños que lucharon por la libertad ante los invasores franceses.





Calle Manuela Malasaña
Homenaje del pueblo de Madrid a nuestra heroína otorgándole una calle, además de un barrio.



MARIANA PINEDA


En su casa se hizo aparecer una insignia del movimiento revolucionario, la cual llevaba bordada la consigna Ley, Libertad e Igualdad. En consecuencia de este ardid, la acusaron de insurrecta y fue encarcelada sin pruebas concretas. Luego, fue hallada culpable y la condenaron a la pena de muerte en el patíbulo.

Con una entereza y honorabilidad sorprendentes, se enfrentó a la muerte y se convirtió en un mártir de todos aquellos que apoyaron la causa de los liberales, así como de quienes han buscado justicia e igualdad en este injusto mundo.
Su sacrificio así como la grandeza de su espíritu inspiró a grandes artistas, e incluso el magnífico y conocido poeta español Federico García Lorca, se basó en la vida de esta valiente joven para una de sus obras dramáticas que lleva por título el nombre de ella.

El Ayuntamiento de Granada conmemora su figura en la Plaza de Mariana Pineda todos los 26 de mayo de cada año, día de su ejecución. En primer lugar se realiza una ofrenda floral ante su estatua y, a continuación, la Banda Municipal ofrece un concierto. En 2006, el Gobierno de la Unión Europea le rindió homenaje y otorgó su nombre a la entrada principal del Parlamento Europeo, como símbolo de la aportación española a la lucha por los derechos y libertades en Europa. También en el Congreso de los Diputados, en Madrid, figura su nombre junto a los de otros españoles héroes de la libertad.




P.D.- En nuestro hall están expuestos unos magníficos trabajos sobre dos de estas heroínas: Manuela Malasaña y Mariana Pineda, que han realizado Paul y Paula, respectivamente, del curso de 6ºB de Primaria.

jueves, 1 de marzo de 2012

Biblioteca Nacional de España: 300 años haciendo historia


La Biblioteca Nacional de España celebra la exposición Biblioteca Nacional de España: 300 años haciendo historia, que organiza junto con Acción Cultural Española. La Biblioteca Nacional de España no es sólo una de las instituciones culturales emblemáticas del país, sino que es una de las que mejor ha sabido adaptarse a los nuevos tiempos, a los desafíos de cada momento.
El objetivo de la muestra es profundizar en la trayectoria seguida por la BNE a lo largo de estos 300 años de existencia plena de retos, cambios y transformaciones, así como mostrar los entresijos de su funcionamiento y la riqueza de sus colecciones.
La muestra, se articula en torno a cuatro secciones temáticas: La Biblioteca Nacional de España en su historia; La tecnología al servicio de la información y el conocimiento; La Biblioteca Nacional de España por dentro y Los 300 años de la Biblioteca Nacional de España: línea del tiempo.
En la primera sección se aborda su historia, desde su origen de la mano de Felipe V en 1711 hasta la actualidad.
En el segundo apartado, se muestra cómo la institución ha sabido adaptarse a los avances tecnológicos revolucionando los modos de entender la Biblioteca, al igual que en su momento lo hizo la propia tecnología de la escritura, la fotografía o la tecnología de la conservación y reproducción del sonido.
En la tercera área se muestran los métodos para ampliar y completar las colecciones de la BNE, los trabajos técnicos así cómo las soluciones que se adoptan para solventar los problemas de conservación.
En el apartado final se revisa la cronología de estos 300 años de la BNE a partir de sus hitos más significativos.
Es una ocasión única para disfrutar en un mismo espacio de las mejores obras que la institución custodia: códices, incunables, libros, dibujos, estampas, mapas, fotografías, partituras, autógrafos, ex libris, cromos, programas de baile, carteles… Sirvan como ejemplo de ello los manuscritos de Leonardo Da Vinci, Beato de Liébana o Petrarca, los dibujos de Velázquez, Goya y Fortuny, los grabados de Goya, Durero, Rembrandt o Picasso y libros como la edición príncipe de El Quijote. 
P.D.- Hasta google le hace un guiño a la historia de la BNE.

martes, 14 de febrero de 2012

PODEROSO CABALLERO ES DON DINERO

Con el título del poema tan castizo de Quevedo, insigne escritor que estudiamos en el Siglo de Oro, podemos afirmar que el homenaje que en su día se hizo a Bécquer y a Goya (entre otros) desde el Banco de España, puso en manos de toda la población una parte de nuestra cultura. Poderoso caballero es Don Dinero.

Gracias a la sugerencia de la tutora de 4ºA, Mª Jesús Plata, hoy os vamos a ofrecer curiosidades sobre los billetes de 100 pesetas que circularon por la segunda mitad del siglo XX, cuyos protagonistas estamos estudiando este curso para la Semana Cultural, y quién suscribe tuvo el placer de conocer y de poseer, de manera efímera, algún que otro ejemplar de estos papeles moneda.



GUSTAVO ADOLFO BÉCQUER
De 100 pesetas, con el busto de Bécquer, se fabricaron en total 442.138.000 billetes.


Características técnicas
En el billete de 100 pesetas aparece en el anverso un retrato del poeta Gustavo Adolfo Bécquer, así como la escenificación de una de sus rimas. En el reverso figura una dama romántica: Julia Espín, amor imposible de Bécquer y la vista de la Catedral de Sevilla. Lleva una marca al agua con la cabeza de Albéniz.


Circulación
El billete de 100 Ptas se entregaron el 2 de diciembre de 1970, coincidiendo con el centenario de la muerte del poeta Gustavo Adolfo Bécquer, en un acto celebrado en el Salón de Juntas del Banco de España de Madrid.
El billete de 100 Ptas fue retirado de la circulación el 10 de mayo de 1978.




FRANCISCO DE GOYA Y LUCIENTES
De 100 pesetas de Goya, se contrataron 75 millones, pero sólo fueron fabricados 29.850.000 billetes por dificultades en el suministro de papel.


Características técnicas
En el anverso del billete de 100 pesetas aparece una cabeza de Goya tomada del monumento a Benlliure emplazado frente al Museo del Prado,o sea, donde nos dejó el autobús el 31 de enero cuando visitamos el museo; mientras que en el reverso se reproduce un cartón de Goya para tapiz conocido como "El Quitasol" . La marca de agua es la cabeza de Goya.


Circulación
Los billetes de 100 pesetas no fueron entregados al público hasta el 30 de diciembre de 1949.
La retirada oficial de la circulación se anunció el 17 de diciembre de 1971.





martes, 7 de febrero de 2012

EN EL MUSEO DEL PRADO

Los chic@s del 2º ciclo nos fuimos al MUSEO DEL PRADO, a estudiar, únicamente, obras de GOYA.


Fue la mañana del 31 de enero. Nos lo pasamos bomba, además de aprender un montón de este genial pintor, centro de nuestra SEMANA CULTURAL.


Aquí están nuestras fotos que nos hizo ANA SEVILLANO, la periodista de la revista pedagógica ESCUELA INFANTIL, que nos acompañó para hacer un reportaje sobre las visitas guiadas en los museos.


Esperemos que nos veáis como somos, REALMENTE GUAPOS, aunque nuestra profe se empeñe en decir que somos los "más feos del cole". Un secreto: ella sí que es fea.


Ahora os presentamos nuestra particular manera de ver a Goya.


martes, 24 de enero de 2012

LA LECHERA DE BURDEOS: PRECEDENTE DEL IMPRESIONISMO







Como ya sabéis, y si no, os lo adelantamos, este curso nuestros compañer@s de educación Infantil también están trabajando un  cuadro de Goya.

Ya estáis notando, que desde los pasillos de nuestro cole vivenciamos  la parte plástica que nos ofreció Goya, del que hablamos y estudiamos su obra. A través de su mirada nos situamos en el costumbrismo, en la guerra de la Independencia, en la corte de los Borbones….

Os ofrecemos uno de los últimos cuadros realizados por el universal pintor Francisco de Goya y Lucientes, LA LECHERA DE BURDEOS.

Fue legado al Museo del Prado, recibiéndose en la pinacoteca en 1945. 

     Su estilo sigue siendo inconfundible, la pincelada suelta y libre, la mancha de color como trazo característico, los colores muy empastados y los tonos luminosos. Pero hay dos aspectos muy significativos en este cuadro: por una parte la aplicación de color en grandes manchas se realiza de tal manera que los tonos se superponen unos a otros, de modo que en vez de mezclarse sobre el lienzo se mezclan en nuestra propia retina; y en segundo lugar, que ciertas tonalidades cambian de color o lo intensifican cuando se trata de crear sombras o una mayor luminosidad.  Se trataba del mismo efecto que intentaban conseguir los pintores impresionistas. Por tanto Goya también se anticipa a los impresionistas.

La lechera de Burdeos  es una de las últimas obras que pintó Goya en su voluntario exilio de Burdeos, en fecha imprecisa, entre 1825 y 1827. Los críticos impresionistas, como Juan de la Encina o Beruete, vieron en ella uno de los mejores exponentes del Goya precursor de ese movimiento artístico. Es una de las pocas obras de Goya de su última época donde parece recuperar su entusiasmo por el color, por la luz y la belleza. 



lunes, 9 de enero de 2012

LA DUQUESA DE ALBA: EL AMOR DE GOYA





LA DUQUESA DE ALBA EN LA EXPOSICIÓN-COLECCIÓN CASA DE ALBA
MUSEO DE BELLAS ARTES
SEVILLA





En nuestro centro podréis disfrutar del cuadro de La Duquesa de Alba realizado por la familia Santos Rodríguez  aquí.

martes, 3 de enero de 2012

COQUETEANDO EN TIEMPOS DE GOYA

Posiblemente sea el Quitasol uno de los cartones para tapiz más llamativos de los pintados por Goya. En él hace un bello canto a la juventud, centrando su atención en la sonrisa de la muchacha y en su gesto seductor, mirando abiertamente al espectador para hacernos partícipes del galanteo; tras ella, un joven le quita el sol con una sombrilla de color verde, en el mandil blanco de la joven se acurruca un perrillo negro con una cinta roja. El interés por la luz que demostró Goya, vuelve a aparecer en esta escena. Aquí es la sombrilla la que sirve precisamente para sombrear diferentes zonas, haciendo la luz solar que se resalten los colores en los que incide. Los tonos cálidos empleados (amarillos) otorgan una enorme alegría a la composición, alegría reforzada por las expresiones de las dos figuras. La pincelada utilizada es bastante disuelta, como se aprecia en el perrillo. El Quitasol formaba parte de los cartones destinados a servir como modelos para los tapices que decorarían el comedor de los Príncipes de Asturias (el futuro Carlos IV y su esposa María Luisa) en el Palacio de El Pardo. 
Os aportamos un vídeo que hicieron unos estudiantes colombianos sobre el juego de la seducción de la época. Elegante y galante.
 

domingo, 11 de diciembre de 2011

Hago un puzle y pinto un poco

Y lo hago todo de la mano de Goya. Hemos leído y aprendido muchas cosas acerca de este Pintor, pero seguro que si hacemos uno de estos puzles o coloreamos alguno de sus cuadros, recordaremos esas imágenes igual o mejor que si las hibiésemos visto en persona. Esperamos que paséis un rato ameno de la mano de Goya.

PUZLES 
(Haz click en cada imagen y podrás empezar a hacerlos en la nueva ventana que se abrirá).



JUEGO DE MEMORIA

COLOREAMOS
Para imprimir cualquiera de estas dos imágenes, haced click en ellas e imprimir.



lunes, 28 de noviembre de 2011

LA FAMILIA DE CARLOS IV

                                                        

La Familia de Carlos IV supone la culminación de todos los retratos pintados por Goya en esta época. Gracias a las cartas de la reina María Luisa de Parma a Godoy conocemos paso a paso la concepción del cuadro. La obra fue realizada en Aranjuez desde abril de 1800 y durante ese verano. En ella aparecen retratados, de izquierda a derecha, los siguientes personajes: Carlos María Isidro, hijo de Carlos IV y María Luisa de Parma; el futuro Fernando VII, hijo primogénito de la real pareja; Goya pintando, como había hecho Velázquez en Las Meninas; Doña María Josefa, hermana de Carlos IV; un personaje desconocido que podría ser destinado a colocar el rostro de la futura esposa de Fernando cuando éste contrajera matrimonio, por lo que aparece con la cabeza vuelta; María Isabel, hija menor de los reyes; la reina María Luisa de Parma en el centro de la escena, como señal de poder ya que era ella la que llevaba las riendas del Estado a través de Godoy; Francisco de Paula de la mano de su madre, de él se decía que tenía un indecente parecido con Godoy; el rey Carlos IV, en posición avanzada respecto al grupo; tras el monarca vemos a su hermano, Don Antonio Pascual; Carlota Joaquina, la hija mayor de los reyes, sólo muestra la cabeza; cierra el grupo D. Luis de Parma; su esposa, María Luisa Josefina, hija también de Carlos IV; y el hijito de ambos, Carlos Luis, en brazos de su madre. Todos los hombres retratados portan la Orden de Carlos III y algunos también el Toisón de Oro, mientras que las damas visten a la moda Imperio y ostentan la banda de la Orden de María Luisa. Carlos IV también luce la insignia de las Órdenes Militares y de la Orden de Cristo de Portugal. Alrededor de esta obra existe mucha literatura ya que siempre se considera que Goya ha ridiculizado a los personajes regios. 
Resulta extraño pensar que nuestro pintor tuviera intención de poner en ridículo a la familia del monarca; incluso existen documentos en los que la reina comenta que están quedando todos muy propios y que ella estaba muy satisfecha. Más lógico resulta pensar que la familia real era así porque, de lo contrario, el cuadro hubiese sido destruido y Goya hubiese caído en desgracia, lo que no ocurrió. El artista recoge a los personajes como si de un friso se tratara, en tres grupos para dar mayor movimiento a la obra; así, en el centro se sitúan los monarcas con sus dos hijos menores; en la derecha, el grupo presidido por el príncipe heredero realizado en una gama fría, mientras que en la izquierda los Príncipes de Parma, en una gama caliente. Todas las figuras están envueltas en una especie de niebla dorada que pone en relación la obra con Las Meninas. Lo que más interesa al pintor es captar la personalidad de los retratados, fundamentalmente de la reina, verdadera protagonista de la composición, y la del rey, con su carácter abúlico y ausente. La obra es un documento humano sin parangón. Estilísticamente destaca la pincelada tan suelta empleada por Goya; desde una distancia prudencial parece que ha detallado todas y cada una de las condecoraciones, pero al acercarse se aprecian claramente las manchas. Goya, a diferencia de Velázquez en Las Meninas, ha renunciado a los juegos de perspectiva pero gracias a la luz y al color consigue dar variedad a los volúmenes y ayuda a diferenciar los distintos planos en profundidad. Fue la primera obra de Goya que entró en el Museo del Prado, siendo valorada en 1834 en 80.000 reales.

sábado, 5 de noviembre de 2011

LA HORA DE LOS VALIENTES

Queridos Blogger@s:

Parece que hasta los medios de comunicación se han confabulado con nosotros y la película que os recomendamos a través de la circular sobre LA SEMANA CULTURAL, el mes pasado, la van a echar en TVE, en el programa de cine denominado VERSIÓN ESPAÑOLA. Además la podemos ver sin publicidad; sin cortes.

Manuel, un joven celador del Museo encuentra un autorretrato de Goya perdido en el traslado de las obras. El joven no duda en proteger a toda costa el cuadro poniendo en peligro su vida y la de su familia 
Insistimos en que es una deliciosa película, cuyo protagonista es nada más y nada menos que GOYA y su autorretrato.

Una licencia que se permitió el director Antonio Mercero, fue llamarlo “ tío Paco” según miraban su autorretrato colgado en la alcoba. Pero no sigo porque no os quiero destripar la película.

Al hilo de la película y su argumento queremos recomendar  un documental que echaron en la 2, el viernes, 15 de julio de 2011, 'Las cajas españolas', que nos muestra el recorrido que hicieron las obras de arte del Museo del Prado para evitar su destrucción durante la Guerra Civil española. Las obras fueron embaladas y enviadas a Ginebra, un periplo que retrata este largometraje dirigido por Alberto Porlán.

'Las cajas españolas' es un documental que reconstruye cómo se salvaron las obras de arte que albergaba el Museo del Prado durante la Guerra Civil. Para ello, durante la contienda el gobierno republicano creó una Junta de Defensa del Tesoro Artístico, con el objetivo de preservar el patrimonio artístico nacional y evitar que fuera destruido en el transcurso de la contienda.
En la película,  se narran las vicisitudes y el recorrido de estas otras, desde que fueron embaladas en un total de 1.868 cajas especialmente fabricadas para contenerlas, hasta su llegada a Ginebra. Allí se creó un Comité Internacional para el Salvamento del Tesoro Español, y se custodiaron las cajas hasta su regreso al museo, el 9 de septiembre de 1939.
Fotograma del traslado de las obras pictóricas
                                               
En el documental se ve cómo se desembala y se muestra la obra maestra española que estudiamos el año pasado “Las Meninas”, mostrándose a los expertos para valorar el estado de conservación de las obras.
Con respecto a Goya, se cuenta cómo “La carga de los Mamelucos” sufrió desperfectos al atravesar un túnel.